Sobre la fotografía.

No es tan desastre como parece

2010-03-17T20:16:00.000+01:00

Carta abierta para los estudiantes del primer curso, asignatura Iluminación.

Bueno, parece que las cosas no van a ir como muchos esperan ¿No? Aprobados, aprobados, lo que se dice aprobados, a estas horas creo que solo hay uno. El examen, aparentemente, ha sido un fracaso ¿Verdad?

Sin embargo, no estoy del todo descontento con el resultado. Y no porque a mi me guste suspender al personal, que sabeis que no es así, sino porque, si lo pensais detenidamente, hay motivos para alegrarse. Al menos desde donde yo lo veo.

Vamos por el principio: he dicho cienes y cienes de veces que lo importante no es la nota, sino aprender ¿Que eso se lo cuente a tus padres? Dales mi teléfono.
Olvidaos de esa mentalidad de estoy-en-un-instituto o esto es 3º de bachillerato. Que estemos compartiendo local y organización con los niños de la ESO es un lastre que tenemos que llevar. Pero estamos en un curso superior, paralelo a la universidad. Esto ya no es como la FP antigua, que iba en paralelo al bachillerato y suponía la vía de escape para quienes "no valían para estudiar": Si estais aquí es porque ya habeis salido del bachiller. Aunque personalmente me pregunto siempre qué narices os enseñaron en matemáticas y lengua. pero bueno, no trataremos ese tema aquí.

Olvidaos de las notas. Lo importante es aprender. Estais aquí para aprender una profesión, no para contentar a tus padres con las notas. Además:
El curso solo tiene UNA nota importante, que se da en mayo. Es la evaluación ordinaria. Los exámenes parciales no sirven para nada. No tienen ningún valor. Miento, si sirven para algo. Sirven para darnos cuenta de donde fallamos, de qué pié cojeamos. Y eso es mucho más importante que una nota.
Ya os habreis dado cuenta de que en el segundo parcial cae lo del primero y lo del segundo, independientemente de si aprobasteis aquél. E igual pasará en el tecero. Entrará TODA la materia del curso, independientemente de que hayais aprobado o no. Porque en iluminación todo es una ampliación de lo anterior. No hay nada que no se base en lo que hemos visto antes. Aquí no se trata de sacar un nota, superar un obstáculo y entrar en otra fase, eso lo dejamos para los videojuegos. De lo que se trata es de adquirir habilidades y conocimientos. En ese orden. No se trata de hacer de vosotros honrados ciudadanos, sino profesionales competentes.
Vuestro trabajo no es "expresar vuestra individualidad" ni hacer "obras de arte", sois técnicos, profesionales que deben saber resolver un problema de su trabajo. Iluminar no es un arte, es una técnica al servicio de un lenguaje. Tiene sus métodos, sus premisas, sus postulados. Teneis que saber plantear un problema, proponer soluciones, estimar la viabilidad esas soluciones y realzar la elegida. La fotografía ni es un arte, ni falta que nos hace que lo sea. La iluminación es una ciencia experimental. Esto es física, y tiene sus métodos. Las divagaciones del artista vamos a dejarla para las horas de la fumacoa.
A parte de eso, he dicho bastantes veces que estamos trabajando con unas materias que no "se estudian" sino que "se saben" Estamos tocando temas que, quien tiene interés no espera a que se den en clase, trata de aprenderlas de cualqueir manera.
Lo que habría que ver es cuantos estais aquí porque os interesa la fotografía y cuantos simplemente por no meteros en administrativo. Pero a mi me da igual. Si estais conmigo teneis que aprender.
Y de eso se trata, de aprender.
Y por eso no estoy tan descontento a pesar del aparente desastre de ayer.

Porque... ¿Que os ha pasado?
Yo miro el examen y me doy cuenta de una serie de cosas positivas:

Habeis asimilado que los focos se ponen donde hacen falta y no donde caben. Esto hay muchos fotógrafos que lo ignoran, Y muchos profesores de fotografía, que no saben como hacerlo. Y hablo de varios cursos que se están impartiendo en Sevilla en estos días en academias privadas.
Habeis asimilado que cada materia y cada característica de las cosas puede ocultarse o potenciarse, sabeis cuales son esas características y sabeis como hacerlo. Eso, mucha gente que habla de fotografía (osea de cámaras) ni siqueira se imagina que pueda hacerse y creen que iluminar es poner un "foco principal" uno "de relleno" y que poner un flash fuera de cámara es "hacer unestrobist".
Ya os habeis dado cuenta de que los esquemas de ilumianción no sirven para nada y de por qué siempre digo que mirar páginas de esquemas es una pérdida de tiempo, porque tratan de meter con calzador la disposición del os focos en la escena, en vez de hacer una dependiendo de las características de lo que quereis hacer.

Estas son las dos cosas más importantes que podeis aprender, y en el examen se nota que las habeis asimilado. ¿Entonces por qué tantos suspensos?

Porque aún os falta camino. Porque habeis cometido DOS fallos, casi todos. Es un error de apreciación. Mirais demasiado cerca los árboles y no veis el bosque. Mirais delante de vuestro coche, a los metros que hay de carretara delante vuestra, y no veis el paisaje por el que vais a meteros.

Estamos a mitad de camino ¿Vale? Que nadie sienta defraudado o que no da la talla por el resultado del examen. Es una prueba a medio camino para calibrar por donde vais, una prueba no para vosotros, sino para Ely y para mi que nos permite saber cuales son vuestras dudas, donde controlais y donde os perdeis.

El problema que habeis tenido con el examen es que aún no pensais en conjunto. En el ejercicio del anuncio, asi todos habeis hecho una ilumianción que estaba bien localmente, para cada cosa aislada. Pero no habeis pensado en conjunto. Los errores que habeis cometido y sobre los que tenemos que trabajar son.

Aunque dominais los conceptos y las técnicas para dar cuenta de la forma y la figura y no os limitais a colocar las luces según un esquema, aún no trabajais en conjunto. Iluminais las piezas una por una.
Aún no habeis captado enteramente el concepto de "Entorno". Ese ha sido el gran fallo del ejercicio. La ilumianción no consiste en poner focos. Eso no es iluminar, eso es alumbrar.
El fondo es parte esencial. El trabajo que haceis en publicidad no es un fin por si mismo, sino un eslabón de una cadena. No hacemos la foto para terminarla o pasarla a photoshop, sino para entregarla a una cadena de producción. A la hora de hacer la foto hay que tener en cuenta cual es el siguiente paso de esa cadena y de facilitarlo.

Al iluminar trabajos sobre tres aspectos: Primero, extraer de las figuras lo que queremos, ya sea potenciado o anulando sus características con la colocación y elección de los focos. Esto ya lo sabeis hacer. Segundo, colocar las figuras sobre un fondo que debe trabajarse. Casi nadie ha trabajado el fondo del ejercicio, y era la clave para el éxito de la foto, era la puerta que os abría la solución más adecuada para el problema que teníamos entre manos.

Y la tercera, y que se me antoja más importante, aún no habeis captado que una de las partes esenciales de la iluminación de una escena es elentorno. Que lo que hay alrededor de la escena es casi tan importante como lo que hay dentro de la escena, que las figuras, reflejan en su piel lo que sucede fuera de la escena. Y que la buena integración de la escena dentro de su contexto, en el ejercicio, como meter un bodegón de estudio dentro de una escena ficticia de exterior, consiste, sobre todo, en jugar en conjunto. Hacer que la escena, dentro del estudio, pareciera que era de día. Que las superficies jugaran a favor de hacer ver el día que no había. Iluminar todo pensando que cada figura juega con su vecina.

Este es el trabajo que aun nos queda por aprender.

¿Por qué no estoy descontento? Porque habeis captado lo esencial y lo habeis aprendido, lo habeis aprehendido. Porque habeis asumido cosas que muchos que confunden fotografía con saber de cámaras ni piensan que puedan existir. Porque en el ejecicio he visto que sabeis analizarla figura y sacar de ella lo que quereis. ¿Por qué habeis fallado y tenemos tantos suspensos? Porque habeis iluminado por separado las cosas que había dentro del cuadro, como si no tuvieran relación una con otra, como desconocidos en una salón grande. Porque no habeis tenido en cuenta que lo de fuera (de la escena) es tan importante como lo de dentro.

¿Hay de que preocuparse? Yo diría que no. Que hay que alegrarse porque habeis avanzado mucho desde que entrasteis. Que no estais preparados aún. Cierto. Pero estamos en ello.

Así que ánimo que vamos por buen camino. Las notas no sirven para nada, lo que si sirve es el examen, que nos ha permitido darnos cuenta de donde estamos y nos dejará hacer planes sobre como seguiremos. El examen es como una toma del pulso.

Y olvidaos de vuestra vida de bachilleres. Las notas no sirven para nada. La única que vale es la de la evaluación ordinaria. Las demás, son solo termómetros para saber como va la fiebre.

Curso de fotografía el día 26

2010-02-17T00:45:00.000+01:00

Programamos un curso de manejo básico de la reflex digital los días 26 y 27 de febrero de 2010 en El Puerto de Santa María.

Long life nikon

2010-02-09T13:02:00.001+01:00

Acabo de comprar una canon.
Y lo único que se me ocurre es: ¡¡Larga vida a Nikon!!

Publicadas las cualificaciones sobre fotografía

2010-01-27T19:20:00.000+01:00

En el BOE del día 22 de enero (http://www.boe.es/boe/dias/2010/01/22/pdfs/BOE-A-2010-972.pdf) se publican algunas de las cualificaiones de la familia de imagen y sonido entre las que están las 3 de fotografía cuyos borradores llevan casi tres años redactados.

Estas tres cualificaiones son las de fotografo, técnico de laboratorio y jefe de laboratorio cuyos titulos oficiales son:
"Producciones fotográficas"
"Operaciones de laboratorio"
"Producción de laboratorio".

Las dos tituladas "producciones" son de nivel 3 mientras que las de operaciones es de nivel 2.
El nivel 3 es el que corresponde a los planes de cilclos formativos superiores de formación profesional y escuelas de arte y la antigua FP2.
El nivel 2 coresponde a lo que actualmente son los grados medios de FP y escuelas de arte y a la antigua FPI.
Aunque la correspondencia no sea exacta y no sean estos los criterios podemos suponer que los niveles de las cualificaciones son:

Nivel 5: Licenciados, ingenieros y master.
Nivel 4: Diplomados, ingenieros técnicos y grados.
Nivel 3: Ciclos formativos superiores y de la escuela de arte. FPII.
Nivel 2: Ciclos formativos medios y de la escuela de arte. FPI.
Nivel 1: Trabajadores no cualificados (¿O esto sería nivel 0 y el 1 lo dejarían para garantia social?)

Tristezas...

2009-12-01T22:25:00.000+01:00

...por lo que se escucha. Sobre todo por lo que se oye de manera reiterada. Tristeza por las palabras que no deberían decirse, y que no hay por qué aguantar oyendo todos los días. Tristeza porque he dicho que por ahí no y si vamos por ese camino acabaremos de mala manera. Porque me conozco. Porque de ese agua no bebas y porque cree que es broma.

En julio lo explico. De verdad. Ahora no.

(Banda sonora: Der song Vom Neim und Ja de la Drei groschenoper)

Actualizadas las notas sobre iluminación

2009-11-25T22:00:00.001+01:00

En el otro blog: http://laestrategiadelaluz.blogspot.com he añadido algunas notas y corregido algunos de los textos anteriores.

He metido:

Cálculo de focos de luz contínua (pensado para cine y estudios de televisión).
Un resumen sobre filtrado de color en platós (para cine y estudios de televisión).
Macro.
Reportaje, contar historias en fotos.

Se agradecerían comentarios y correcciones sobre lo publicado que ayuden a mejora el sitio.

La iluminación no es una ciencia exacta (Segunda parte)

2009-11-17T21:02:00.000+01:00

(Banda sonora: Ozzy Osborne "Mr Crawley").

Primero, tienes que aprender que las cosas tienen forma y materia. Y que iluminar no consiste en poner los focos donde caben, sino donde hacen falta. Que las cosas se presentan a la vista por seis rasgos que son su estructura, su volumen, la textura de su superficie, su color, el brillo que producen que es la manera en que dejan ver el mundo que les rodea y por la transparencia con la que dejan ver lo que hay detrás suya.
Tienes que saber, antes de iluminar, que la estructura y el volumen te habla de la forma, pero no de la materia. Que el color habla de la forma y de la materia, que la textura, el brillo y la transpareancia hablan de la materia.
Que no hay figura aislada del mundo sino que interactúan siempre con la escena y que la mejor manera de apreciarlo es mediante el color, la transparencia y el brillo.

Tienes que saber antes de iluminar como la estructura, dividida en línea, faceta y canto, se hace aparente a la vista, como la posición de faceta-foco-cámara colocan la figura dentro de la escala tonal. Hay que saber que la posición relativa de faceta-foco y cámara dividen el espacio en tres regiones: allí donde ves el foco reflejarse en la piel de la figura, allí donde el foco se pierde pero no su luz y allí donde la figura esconde el foco y solo se ve por la transparencia.
Hay que saber que el brillo nunca sale convincente con luz directa sino indirecta, que las cosas brillantes no se iluminan, sino que iluminas lo que hay alrededor para que se reflejen sobre tu figura. Que la transparencia no se ilumina de frente, sino desde atrás. Que el color es más vivo cuanto más perpendicular le es la luz. Que la textura vive llevándole la contraria al color y que se crece cuando la luz se hace rasante, al contrario que el color.
Y son cuatro, cuatro chorradas que te permiten ir directo al grano, ir a tiro hecho.
Estudia tu figura, mira sus características y determina qué solución es aplicable. Mira que el cristal es brillante y transparente. Trata de fotografiar en blanco y negro una naranja y una ciruela, una pelota de tenis y una bola de billar.
Si, iluminar es una ciencia. Una ciencia que te da recursos concretos para problemas que aparecen en la vida real. Y que cuando en una escena se aleja del prototipo, haber aprendido adesmenuzar el problema y establecer las solucines parciales te permiten ir directo a solucionar la escena problemática.
Si, iluminar si es una ciencia. No exacta, pero si experimental.
Aprender a iluminar es ponerle una silla a tu musa, dejarla que se siente comodamente y servirle un te (o una birra) para que te espere, cinco minutos, que es lo que tardas en ordenar tu estudio antes de ponerte a retozar con ella.

Al espiritu creativo, dejalo copiando en un folio cien veces "No volveré a molestar a mi fotógraf@ mientras trabaja".

La fotografía no es una ciencia exacta...

2009-11-17T20:45:00.000+01:00

... es una ciencia experimental.
Pero si, es una ciencia.
(Primera parte).

(Banda sonora: Kansas, "Dust in the wind").

Iluminar no es dejarque tu espítiru creativo dance alrededor del estudio esperando enrollarse con la musa. Pero estos dos no se enrollan aunque les dejes solos y con las puertas cerradas. Iluminar es plantearte lo que quieres hacer y decirlo con luz. Lo importante es la imagen, no la iluminación. Lo importante es lo que quieres decir con tus palabras, no el color de la tinta. Pero para dibujar tienes que usar el lapiz, y tienes que saber afilarlo, y tienes que saber como se dan trazos duros, como trazos suaves, como hacer una recta a pulso, como un arco. Tienes que aprender a controlar con la presión de tu mano la expresión del trazo. Quiza el dibujo no sea una ciencia exacta, pero si es uan ciencia experimental. Hay una manera de hacer las cosas para que salgan y un montón de maneras de no conseguir ese tono que buscas, quizá porque no colocas el lápiz con el ángulo correcto, porque no lo has afilado de menera adecuada, porque no aprietas lo que debes. A lo mejor piensas que dibujar consiste en esperar con el lápiz en la mano y que tu espíritu creativo se enrolle con la musa y paran dibujos de tu mano. Pero si te molestaras en aprender a usar el lápiz, a lo mejor ganabas tiempo.

Iluminar no consiste en esperar que tu alma de artista encuentre su paternaire en el polvo que se lleva el viento. Consiste en ir a tiro hecho para que los detalles técnicos no obstruyan se momento en que la jodida musa le ha dado por venir a visitarte (si alguna vez viene, lo mínimo es que te pille trabajando). Ir a tiro hecho. Porque, aunque muchos piensen que iluminar "no es una ciencia exácta" si que es una ciencia experimental. Es decir, un conjunto de técnicas que te permiten ir a tiro hecho a resolver situaciones típicas y que te da un bagaje cultural y técnico que te permita evaluar las que no son habituales y te faculte para proponer soluciones. Pero si, hay cosas que aprender. Si, hay maneras de hacer las cosas que te permiten abreviar, centrarte en hacer la foto y no andar divagando sobre el sexo de los ángeles, el color de las musarañas o la posición de los focos.
Básicamente ese es el tema de mi otro blog. http://laestrategiadelaluz.blogspot.com

(Fin de la primera parte)
(Terminamos con Black Sabbath, "Iron man").

¿Fotografía de moda?

2009-11-11T22:42:00.001+01:00

¿Por qué mucha gente confunde "fotografía de moda" con "foto de niña mona haciendo posturitas"?

http://www.fotoplatino.com/
http://www.nosolotop.com/
http://www.fotomoda.com/

Enseñar fotografía

2009-10-27T22:27:00.000+01:00

Bueno, andamos con lo mismo de hace unos meses. La verdad es que estaba tratando de dejar pasar las semanas para que se me pasara, pero no hay manera.

La formación, oficial, de la fotografía está en manos de fotógrafos amateurs, con ideas de fotógrafos amateurs que enseñan una técnica y filosofía de la fotografía para amateurs. El resultado es que cuando el estudiante de fotografía termina sus estudios se encuentra con que hacer fotos tiene muy poco que ver con lo que le han enseñado, que suele ser a manejar una cámara y tiene que ponerse a aprender, ahora sí, lo que es profesional.

Un ejemplo, la asignatura (perdón "módulo" en la jerga que nos quieren imponer los pedagogós de las consejerías de educación) más importante del segundo curso del ciclo de imagen es "Aplicaciones Fotográficas", 12 horas semanales en las que deberían enseñarse todo lo relativo al uso profesional de la fotografía. No a como se usa una cámara, que eso lo dan en "Imagen fotográfica" (aunque no deberían hacerlo ahí) sino como qué y cómo se vende, que tengo que tener encuenta y qué no. Después seguimos con esto, ahora voy a lo que quiero ir. El segundo curso de los ciclos superiores tiene tres trimestres de los que los dos primeros se desarrollan en el centro de estudios y el tercero en prácticas en empresas ¿Resultado? Quien coge una asignatura con 12 horas semanales, al llegar marzo se encuentra con 12 horas sin clase. De manera que ¿Quien coge esta asignatura? ¿Quien está más preparado para enseñarla? Naaaaa! Eso sería lo lógico. La coge quien lleva más tiempo dando clases.

Así tenemos la mierda de formación profesional que tenemos. Donde los profesores eligen asignatura no por su capacidad, sino por su horario.

Porque, claro, esto es fotografía. Tu sabes: pones la cámara en modo "cabecita" y eso es para retratos. Hay profesores que se creen que el tema "Fotografía arquitectónica" es "el de la cámara de gran fomato" y reducen el tema a "corregir" la perspectiva, porque los muy inútiles ni siquiera se percatan de que LA PERSPECTIVA NO HAY QUE CORREGIRLA, HAY QUE RESPETARLA. Así que enseñan los basculamientos y desplazamientos en vez de enseñar qué es la ilustración arquitectónica, como encaja la fotografía arquitectónica dentro del campo, más amplio, de la ilustración arquitectónica, qué es lo que quiere un arquitecto, para quien trabajo cuando hago una fotografía de arquitectura, qué derechos tengo que reservar, cuales ceder, cual es el destino de estas fotos, cómo desarrollo la producción.

Es decir, todo lo relativo a la fotografía arquitectónica como profesión, no al ajuste de la cámara.

Más confusiones: no diferenciar la fotografía editorial de la publicitaria, pensar que iluminar consiste en poner una cámara en medio y un flash a un lado a toda potencia ("luz principal, baby") y otro al otro lado ("luz de relleno, oh yeah") y enseñar a poner los focos no donde hacen falta, sino donde caben. No enseñar que el metal, el cristal y la madera se fotografían de manera diferente, no enseñar las claves para ir a tiro hecho cuando tengas un material, sino divagar sobre el color de las musarañas y acabar con un foco a un lado y otro al otro y uno en contra y pensar, encima, que la contra es indispensable sin reparar en cuando lo es y cuando es absolutamente y completamente prescindible.

El otro día un amigo me comentaba que en un curso de fotógrafía bastante popular que se está dando en esta ciudad de Sevilla, el "profesor" que dió iluminación enseñaba que los fotómetros ya eran inútiles, que con los histogramas se mide y se hace la foto... y hay que ser ceporro para pensar semejante barbaridad porque indica una cosa tan simple como que el tío, que dice que enseña iluminación, confunde "iluminar" con "exponer" e ignora que el fotómetro se emplea para conocer las condiciones de iluminación, se emplea para comprobar tu diseño de la luz.

En fin. Que voy a dar cursos para reciclaje de profesores. Cobro barato.

Más Sevilla de moda

2009-10-15T22:22:00.001+02:00

Pepín Castillo

Manolo Giraldo

Luchi Cabrera

Miguel Reyes

Pepín Castillo

Carmen del Marco

Sevilla de moda

2009-10-15T22:14:00.000+02:00

Semana del 5 al 8 de octubre. Tengo todas las colecciones en mi nueva web. El acceso directo es:
www.pacorosso.net/ultimostrabajos/sevillademoda.pdf

Como adelanto:

Web renovada

2009-10-15T22:05:00.001+02:00

Verano largo. Mucho escribir (¡¡Ya he terminad el libro!!) y nada de aparecer por aquí.

Ya está la web lista (creo) www.pacorosso.net. En breve vuelvo a admitir trabajos comerciales. Esto de la enseñanza se va a acabar dentro de poco.

Vlad Straticiuc

2009-07-07T17:30:00.000+02:00

Los tocados son de Vlad Straticiuc. Fotos realizadas el día 4 de julio de 2009 en un estudio con las paredes amarillas y serios problemas de coloración...
Así que más temas para el próximo libro: de la iluminación general difusa en claroscuro. Un tema que había sospechado pero en el que no había indagado adecuadmente. Escribiré algo en las "Notas para un curso de iluminación". Seguramente use algunas de estas fotos para ilustrar el asunto.

Bellezas sonoras

2009-06-02T22:13:00.000+02:00

El Pequeño Vals Vienes de García Lorca cantado por Leonard Cohen. (Especialmente el contrapunto del "Mira que orillas tengo de jacintos".
La gnosienne nº3 y las Gymnopedias 1 y 3 de Erik Satie.
El 2º movimiento del concierto en re mayor para guitarra de Vivaldi.
Mad World por Gay Jules. Cannonball por Damien Rice. I do por Lisa Loeb.

El editor inexistente

2009-06-02T00:49:00.000+02:00

Una de las cosas que se echa de menos es la posibilidad de trabajar con alguien, de aprender de alguien. Viene a cuento del trabajo escrito. Cuando haces una foto esperas que alguien al otro lado de la cadena tire de ella. Mandas la foto a la agencia, y ahí puede morir. No hay quien la mueva. A uno le gustaría pensar que el comercial se interesa por ella y trata de enseñarla, de que se publique. Pero la agencia tiene tantas fotos al día que la tuya es solo una más. Una categoría algo superior al comercial de tu agencia es el agente. Ese señor que en España no existe y que se supone que es con quien deberías trabajar. Pero en realidad en o que estaba pensando ahora era en el trabajo editorial. Escribo sin mucho futuro, sin mucho sentido de lo que hago o para qué lo hago.
Hay tantas dudas al escribir, tantas pregunta que no encuentran respuesta. Del nuevo libro sobre iluminación he escrito varios capítulos que van sin rumbo. Un par de ellos sobre iluminación para cine y para televisión que he acabado quitando ¿Debería haberlos dejado? ¿O mejor los elimino y descargo así este libro de material y guardo ese para otro posterior más completo sobre cine? ¿Que hago con lo dos capítulos sobre fotografía de arquitectura? ¿De verdad casan aquí o debería dejarlos para una obra independiente? ¿Y los seis capítulos dedicados al retrato? ¿Dejo los capítulos dedicados al material sensible o mejor paso de ellos? Al fin y al cabo es un libro sobre iluminación fotográfica, no sobre fotografía. Cosas que discutir, cosas que hablar, cosas que aclarar. Envío el manuscrito, pero nunca hay respuestas, ni de los editores habituales. El trabajo se centra en entonces en resolver las dudas uno mismo sin saber donde ni cuando acabarán. No hay nadie al otro lado con quien discutir, que te pueda aconsejar sobre qué dejar, que quitar, qué cambiar. El editor no existe, espera la obra acabada. Solo para decirte que no interesa, que no entra en sus planes, y un año después ver que ha publicado una obra en la misma temática pero de un autor con nombre en inglés.

Porfolio en la web de la AFP

2009-05-28T23:01:00.000+02:00

Mi dirección en la nueva página web de la Asociación de Fotografos Profesionales es:

www.fotografos.pro/pacorosso

Recordatorio final de iluminación

2009-05-05T10:50:00.000+02:00

Para los alumnos de 1º de Imagen de este año (2008/2009) que andan algo despistados:

EXAMEN 3 PARCIAL:

Teneis el guión original de una película ("Lost in translations") quiero que saqueis las escenas del bar del hotel y las planifiqueis para su rodaje. El guión y los detalles están en estos dos documentos:

Los documentos además están en la moodle del curso:

www.quadernsdigitals.net/moodle
Si alguien no se dio de alta en su día en el sitio que entre como invitado.

ADEMAS

Hay que entregar resueltos los problemas de los ejercicios de este documento:
www.pacorosso.net/iluminacion/iluprob.pdf

EXAMEN ORDINARIO

Para los que les haya quedado algún parcial:

EL EXAMEN CONSISTIRÁ EN PROBLEMAS DEL DOCUMENTO

www.pacorosso.net/iluminacion/iluprob.pdf

Cursos UCA Cádiz

2009-05-04T16:24:00.001+02:00

Acabo de subir el material base sobre el que trabajaremos en los dos cursos programados por la Escuela de Fotografia dela Universidad de Cadiz.

El material es:

Curso "La exposicion perfecta"

http://www.pacorosso.net/uca/lep1.pdf
http://www.pacorosso.net/uca/lep2.pdf

Curso "Pensar la forma"
http://www.pacorosso.net/uca/pensarlaforma.pdf

Quien sabe

2009-04-21T23:48:00.000+02:00

Quien sabe no habla. Quien habla no sabe.
Quien sabe, escucha. Quien no sabe, habla.
Quien sabe, pregunta. Quien no sabe, sentencia.

Proyectos para el curso de Alcalá

2009-04-16T00:12:00.000+02:00

Esta es la propuesta para los proyectos del curso de Alcalá

http://www.quadernsdigitals-moodle.net/moodle/file.php/67/aplicaciones/proyectosfbr2009.pdf

Para el curso de iluminación

2009-04-15T10:33:00.001+02:00

La documentación del ejercicio final del curso está aquí:
www.pacorosso.net/iluminacion/ejercicioguion.rar
y
www.pacorosso.net/liluminacion/cinecal.rar
Además está en la moodle del curso:
www.quadernsdigitals.net/moodle

¡¡Necesito guiones de cortos!!

2009-04-13T13:19:00.001+02:00

Necesito, urgentemente, para un trabajo de clase guiones de cortos ¿Alguien de la escuela de cine de Sevilla está leyendo esto?

De la formación del fotógrafo

2009-01-26T20:41:00.001+01:00

Hace tiempo que le doy vueltas al tema. Desde hace cuatro años doy cursos en la Formación Profesional, esa rama de la enseñanza que está tan dejada de la mano de nuestros políticos. Y si la formación profesional es la cenicienta del sistema educativo español la fotografía es cenicienta de las sin papeles. Parece mentira que se gasten el dineral que se gastan en publicidad para promocionar un tinglado que se rompe por su base. A las administraciones educativas no les importa el buen funcionamiento de la formación profesional sino solo su capacidad para generar rentas políticas.

Se pretende por un lado que la formación profesional sean "Estudios superiores" (Según se dijo en el encuentro de ciclos celebrada en Estepona en noviembre del 2007) mientras que se mantiene los centros compartidos con la ESO y el bachiller que lastra la organización de los ciclos.

Hoy por hoy el profesor de FP es un trabajador "polivalente" que es más importante por su capacidad para cubrir las bajas de los profesores de la ESO que por su capacidad para formar a los trabajadores de nuestra industria. Dicho en plata, cuando me quitan horas de clase para ponerme horas de guardia en la ESO entiendo que dejo de enseñar lo que se para que los profesores de secundaria puedan faltar a su trabajo.

Otra cuestión, ya dentro de la fotografía, es el desprecio por la misma profesión. Con el sistema educativo que tenemos puede enseñar fotografía antes un titulado universitario sin idea de la materia que imparte que un profesional capaz de transmitir lo que sabe pero sin título. El resultado es que los profesores de fotografía que normalmente explican estas materias suelen ser llicenciados en audiovisuales, publicidad o periodismo cuyo conocimiento de las industrias fotográficas se limita a los tópicos de los fotoclubs y cuatro tonterías de circulación habitual en las revitas fotográficas. Creen que basta leerse el tratado de Langford y que la historia de la fotografía se limita al canon de Beaumont Newhall, incluso piensan que reportaje = momento decisivo.

Pero contar qué se vende, como se vende, a quien. Cuales son los aspectos del negocio, del trabajo... no pidamos nada de eso, porque es ajeno a la formación del profesor de fotografía.

Están las escuelas de arte, claro. Esas que centran su trabajo en temas tan importantes para un trabajador de esta industria como son las técnicas "creativas" con la ampliadora (fotogramas, solarizaciones, etc) o la cámara estenopeica y que después creen que iluminar es poner un foco a la derecha del fotógrafo y otro a la izquierda y que con hacer fotos se aprende solo ( y digo yo que se aprende a hacer mal las fotos). Y lo peor no es que se limiten a tópicos mal entendidos, lo peor es que creen que éso es lo que deben enseñar...

¿Y que hace el sector profesional para enderezar la maltrecha carrera del estudiante de fotografía? ¿Repartirse medallitas, diplomas y honores?

Ciertamente la formación del profesional lo tiene crudo en España. Necesitamos una reforma profunda de la formación profesional: que se separe la FP de la ESO y el Bachillerato. Que se permita a los profesionales acceder a la docencia. Que el ministerio de educación deje de ser quien controle la formación de los trabajadores y ésta pase al ministerio de fomento... Convencernos de que la formación profesional no es la educación de adolescentes para la vida en democracia sino la formación de los trabajadores de nuestra industria.

Igual así quien salga de nuestros cursos tendría una formación más adecuada a lo que se espera de él en la empresa y no los conocimientos que se adquieren en cualquier cursillo de una asociación de amas de casa.

De lo que hacemos

2009-01-19T18:13:00.000+01:00

Este blog hace tiempo que ha perdido el rumbo. Las notas definitivamente se han cambiado a otro lugar de este universo del blogger. Están en http://laestrategiadelaluz.blogspot.com y puede encontrarse la versión actualizada en pdf (un solo documento con todo) en mi web (http://www.pacorosso.net/pdf/notasparauncursodeiluminacion.pdf).

Trataríamos aquí de continuar escribiendo y colgando fotos impublicables o que no tuvieran mucho más que decir que mantener algunos comentarios personales.

Además he abierto una cuenta en pressbook para publicar los porfolios.

Cambio de dirección

2008-12-10T09:01:00.001+01:00

Las notas para el curso de fotografía se han transferido a otra dirección:
http://laestrategiadelaluz.blogspot.com/

Profesores

2008-12-03T08:44:00.001+01:00

Profesores son los que se dedican a poner notas y mantener los niños en la clase.
Yo no soy profesor, a mi me gusta enseñar.

Notas para un curso de iluminación, I

2008-08-27T19:38:00.002+02:00

De la creación de la luz en estudio. La luz naturalista

Dos son las actitudes creativas posibles para escribir con luz: buscar la luz o crearla. Para buscarla consiste en encontrar donde está aquella con la que mejor escribimos lo que queremos decir, partimos de una escena iluminada que retocamos lo justo y necesario para conseguir que nuestra cámara vea lo que vemos con los ojos. Para crear la luz partimos de una escena oscura, el estudio, y vamos encendiendo nuestrso focos hasta conseguir el resultado pretendido.
Tu cámara no ve como tus ojos, tu cámara exagera el detalle de los tonos medios y los pierde en las luces y las sombras. Nuestros ojos adaptan la visión del detalle a la voluntad de nuestra mirada. Para que la cámara vea lo que nuestro ojos ven hay que actuar sobre a luz, sobre la exposición o sobre el revelado.
Hay tres maneras de iluminar, naturalista, artificiosa y abstracta. No hay que confundir la iluminción naturalista con la natural. La natural es la que encontramos en una localización iluminada por la luz del sol, ya sea directa, filtrada por las nubes o los visillos o reflejada por la luna, la pared de enfrente o la que entrando por la ventana se reverbera en la habitación.
La luz artificiosa no hay que confundirla con al luz artificial. La artificial es la que generamos mediante nuestras lámparas.
La luz naturalista toma como referencia la luz natural, con al que nos hemos criado y a la que estamos hechos. La luz artificiosa es luz puesta que no remite a una escena natural usual. Cuando se crea a propósito es una potente herramietna expresiva, pero suele ser en lo que cae el iluminador inexperto o el poco sensible a las posibilidades y el lenguaje propio de la luz.
La luz abstracta no trata de crear referencias espaciales, es luz artificiosa llevada al extremo.

La luz día es el modelo de la luz naturalista. Mucha de la luz artificiosa es naturalista rutinariamente realizada sin partiendo de reglas que definen la función de las luces pero realizadas sin cuidado.

Para dotar de volumen y textura a las figuras coloca un foco a semejanza del sol, que marque una dirección para la luz, arroje unas sombras sobre lo que las figuras tienen detrás y cree un sombreado sobre la propia figura que muestre su volumen. Se llama principal a esta luz.
Para dotar de profundidad al espacio separa los términos. La única manera de hacerlo consiste en superponer claro sobre oscuro u oscuro sobre claro. Un foco que desde detrás se dirija hacia donde la cámara está dibujará una línea de luz sobre las formas opacas creando la ilusión de un espacio intermedio entre frente y fondo. La luz de contra que separa las formas debería estar en la misma línea que une la principal con la figura par a no hacer artificial la escena.
Para crear el estilo de tu foto añade o quita luz del lado en sombras. Se llama relleno a esta luz. La luz de relleno no debe arrojar sombras en dirección contraria a la luz principal, por ello la luz de relleno se debería colocar siempre como una batería frontal de focos justo detrás de la cámara o envolviendo a la escena. Cuanta más luz de relleno añadas más aclaras la profundidad de las sombras y menos contraste consigues.
Para crear sombras de bordes duros, emplea luces que sean pequeñas de tamaño comparadas con la distancia a las que se colocan de la escena. Cuanto más grande sea el ángulo que desde la escena abarque el tamaño del foco, más suave será su luz y más difuminados los perfiles de las sombras.
Una escena debería tener un negro de referencia, un blanco de referencia y un tono medio de referencia. Ninguno de ellos tiene por qué cubrir un área importante de la imagen, basta con que se hagan visibles, marquen los límites tonales de la escena.
Hay dos maneras de crear la escena de luz. Para la primera centra tu atención en la luz principal. Enciendela, mide su luz y contrólala hasta que te de la que quieres. La luz la creas tu, ajustas la luz a tus deseos, no el diafragma de tu cámara a la luz disponible. Para medir dirige el fotómetro hacia la luz y hacia la cámara, procura que no haya mucha diferencia y, si la hay, decide qué diafragma emplear así se la imagen que queiras crear. Una vez tengas el foco principal, ajusta el relleno y la contra a ojo.
Un esquema para optimizar el rendimiento del trabajo en el estudio
La segunda manera, más recomendable para actuar diligentemente, consiste en partir de la luz de relleno, ajustarla y entonces ajustar la principal. Para operar así haz esto: primero enciende todas las luces, porque hay que trabajar siempre con todos los focos encendidos. Mide la luz de relleno. Para ello usa el difusor plano del fotómetro y, si no o tiene, tapa con la mano la calota esférica para que no de la luz del foco principal. Si piensas que es preferible apagar éste foco yerras, porque no te interesa la luz que da el foco de relleno, sino la luz que viene de su dirección que es la que da él más la que del foco principal rebotado en el estudio más la luz parásita que pueda venir desde la misma.
Ajusta la iluminación del relleno hasta que tengas el diafragma que quieres para las sombras. Ahora apunta con tu fotómetro al foco principal y ajustalo hasta que te de el contraste que quieres trabajar. Una vez hecho esto mide con el fotómetro dirigido hacia la cámara. Piensa en qué diafragma tienes en las sombras (relleno) cual en la luz (principal) y cual hacia la cámara y así tendrás una idea de cómo quedará la escena en tu foto. Por regla general el diafragma medido hacia la cámara debería ser el adecuado para ajustarla, pero tienes que tener en cuenta que donde quedan las sombras y las luces dentro de la gama tonal en comparación con esta medida hacia la cámara, para ello tienes que conocer la curva de respuesta de tu película o, al menos, cual es su latitud, su rango de luces y su rango de sombras. La latitud es la máxima diferencia que admite el material sensible entre los tonos blancos con detalle y los negros con detalle. El rango de sombras es la diferencia entre el negro con detalle y el tono medio al que ajustas el diafragma. El rango de luces es la diferencia entre este tono medio en el que cae el diafragma y el blanco con detalle.
Si abres el diafragma algo más de lo que mides hacia la cámara aclaras los tonos alejando las sombras de la imagen de las sombras de la escena y metiendo las luces de la escena dentro de las luces de la imagen. Si cierras el diafragma oscureces la fotografía, bajando las sombras de la escena dentro de las sombras de la foto y bajando las luces de la escena alejándolas de las luces de la foto.
Recuerda siempre que ante todo, la exposición no es un ajuste técnico sino un ajuste creativo. Que no hay una exposición “correcta” sino tan solo apropiada para la imagen que queires dar y que es tu voluntad como fotógrafo el que decide el aspecto final que quieres para tus fotos.
La razón de que esta manera de trabajar sea más productiva está en que al dejar todas las luces encendidas y ajustar en primer lugar la de relleno consigues el contraste que deseas mucho antes y apenas si tienes que retocar las potencias. Piensa esto, la figura está iluminada por los lados con la luz de relleno y por uno solo con la principal. Si mides la luz de relleno en el lado en que solo ella actúa, dado que ahí no cae la luz principal, el diafragma se mantedrá constante, inalterable, hagas lo que hagas con el foco principal. Al ajustar entonces éste solo modificas el contraste, no el diafragma de las sombras. Si lo hicieras al revés, ajustando primero la principal, al cambiar la potencia de la de relleno también cambiarías el diafragma del lado más claro, donde caen los dos focos, por tanto tienes que volver a ajustar la principal, con lo que habrás modificado de nuevo el contraste, entonces ajustas de nuevo la de relleno y cambia la luz del lado principal... y así hasta que poco a poco te vas acercando a los valores deseados. Para ir rápido, primero ajusta la luz de relleno, despúes, la principal. Por eso a esta manera de trabajar se le llama de luz de base y contraste, porque la luz de relleno establece la exposición base a partir de la que se crea toda la estructura luminosa de la escena.
De las ventajas de trabajar con una aproximación de luz de base y contraste hablamos en otro artículo.

Notas para un curso de iluminación II.

2008-08-27T19:38:00.001+02:00

Comprobación del modelado
Una vez que hayas dejado el contraste como quieres y hayas decidio el diafragma a emplear, recordando siempre que la exposición es una herramienta creativa, no técnica, mide el factor de modelado VH. El modelado VH es la relación que guardan la iluminación vertical y la horizontal sobre el rostro de quien retratas. Para medirlo coloca el fotómetro en la posición donde deberá estar la cabeza del modelo y mide, con la calota puesta y apuntandola hacia el techo. Esta es la iluminación horizontal. Ahora coloca la calota apuntando a la cámara procurando que su centro quede en el mismo sitio. Esta es la iluminación vertical. La diferencia entre ambas es el modelado vertical horizontal. Ni debería ser muy alto ni muy bajo. Si es más de 1,5 pasos mayor en un lado que en el otro es que tienes una luz dominante en dirección. Si la iluminación horizontal (calota hacia arriba) es mucho mayor que la vertical (calota hacia el frente) puedes acabar con rostros avejentados de párpados oscurecidos y arrugas marcadas, pero quizá con unbuen recorte de las facciones y la estructura del rostro. Si mides una iluminación vertical (calota hacia el frente) mucho mayor (más de 1,5 pasos) puedes acabar con un retrato con poco modelado. Que ea plano o no dependerá de la luz que entre por los lados, para comprobarlo midelas colocando la espalda del fotómetro sobre las mejillas, una ahora y otra despés, del modelo. Si la medición es mucho más pequeña que la del frente tienes una iluminación con laterales oscuros que proyectará el rostro hacia afuera. A esta manera de medir en cuatro direcciones (vertical, horizontal, vertical a la mejilla izqueirda y vertical hacia la mejilla derecha) se le llame medición de la iluminación cilíndrica y es un indicador bastante bueno de la capacidade la luz para modelar las formas.
En el caso de que el modelado VH sea muy pequeño (típicamente las dos mediciones iguales) tienes luz plana. Usala con discrección.

Notas para un curso de iluminación, III.

2008-08-27T19:34:00.001+02:00

Las ventajas de trabajar con luz de base y contraste

La primera ventaja de trabajar con luz de base y contraste la he citado más arriba, es la de agilizar la creación de la luz ya que al ajustar primero la luz de relleno (base) y después la de contraste (principal) nos permite alcanzar el contraste deseado en un solo paso sin tener que hacer muchos retoques como sucedería si hicieras al contrario, ajustando primero la principal y después la de relleno.

La segunda ventaja es que cuando decides la exposición por las sombras, ya que estas no cambian al ajustar la luz principal, esta solo actúa sobre el contraste. Por tanto puedes mantener la exposición siempre igual, sin tener que volver a medir, y solo actuar sobre la principal para controlar el contraste. Esto te permite optimizar la producción del estudio, especialmente en aquellas ocasiones en que hay que sacar mucho trabajo adelante. Por ejemplo, doscientas piezas para uno de esos catálogos de tiendas que salen cada quinte días, por ejemplo las fotos de un colegio donde tienes una fila de niños esperando y situaciones similares.
El contraste lo decides cambiando la potencia de la luz principal entre una serie de valores que ya conoces. El diafragma en cámara no lo cambias porque sabes cual es el límite de potencia de tu luz principal sobre el que no conseguirás detalle en las luces.
Así cuando quieras más contraste solo tienes que subir la luz de potencia, cuando quieras menos, bajarla. Marca los límites entre los que te puedes mover, que serán aproximadamente: la luz de potencia no debería dar más de 5 veces la iluminación que da la de relleno. Por ejemplo, dos focos de 500 vatios, o uno de 250 vatios para el relleno y 500 para la de potencia.
Cuando veas que l afigura tiene mucho contraste, con blancos y negros acusados, baja la luz de potencia. Cuando veas que tiene poco, súbela.

Notas para un curso de iluminación, IV.

2008-08-27T19:30:00.000+02:00

Del ajuste del contraste con la iluminación de base y contraste

La luz de relleno cae sobre toda la escena, di que es una luz general. La luz principal solo sobre una parte, di que es una luz localizada. Diferencia también “luz principal” de “foco principal”. Foco principal es el responsable de la luz principal. Luz principal es la parte más clara de la figura, allí donde cae la luz del foco principal y la del foco de relleno.

Por tanto si la luz de relleno es la referencia (y la luz base SIEMPRE es la referencia) en su lado habrá una medida de luz. Si el foco principal y el de relleno son iguales, con el mismo reflector, colocados a la misma distancia y ajustados a la misma potencia, ambos proporcionan la misma luz por lo que la figura recibe dos medidas como luz principal (una del foco principal y otra del foco de relleno) y una en la de relleno. Si la potencia del foco principal es el doble de la de relleno, en su lado caerán tres medidas de luz mientras que en el de relleno solo caerá uno dejando por tanto el contraste en 3:1.
Los ajustes de potencia son:
Para un contraste 2:1 (1 paso), pon la potencia de los dos focos iguales.
Para un contraste 3:1 (1,5 pasos), ajusta la principal al doble de potencia que la de contraste.
Para un contraste 4:1 (2 pasos), ajusta la potencia de la principal al triple que la de relleno (1,5 pasos más alta).
Para un contraste de 5:1 (2+1/3 pasos) la principal debe dar cuatro veces más potencia que la de relleno, 2 pasos.
Para un contraste 6:1 (2,5 pasos) la principal debe dar cinco veces más luz que la de relleno, 2+1/3 pasos.

Puedes esquematizar los ajustes de esta manera:
Ajusta la luz de relleno a ¼ (dos pasos menos que a plena potencia).
Para un contraste final de:
2:1 Ajusta la potencia del principal ¼ (igual que la de relleno).
3:1 Ajusta la principal a ½ (quitale un paso desde la máxima).
4:1 Ajusta la potencia a ¾.
5:1 Pon la principal a plana potencia.

Notas para un curso de iluminación, V.

2008-08-27T19:25:00.000+02:00

De la gama tonal
El contraste de la escena depende del contraste propio de las figuras y del contraste de iluminación. El contraste propio de las figuras es el debido a la diferencia entre sus tonos claros y oscuros. El contraste de la iluminación es el debido a la falta de uniformidad de la iluminación de la escena.
Rara vez encontraremos figuras cuyo contraste propio sea de más de 5 pasos. Los blancos más puros tienen una reflectancia máxima del 90% mientras que los tonos oscuros andan por el 3%.
El contraste de iluminación depende de los focos que tengamos. En condiciones de iluminación natural, un sol directo en una plaza con una terraza bajo toldo podemos encontrar 6 pasos como mucho pero son situaciones excepcionales. Los contraste de iluminación natural más típicos se mueven por los 3 pasos.
La piel tiene una reflectancia sobre el 40%. 1 paso y medio por debajo del blanco típico.
Al colocar la figura bajo la luz se suman los contrastes. Si una figura con una diferencia entre claros y oscuros de 2 pasos se coloca en un ambiente luminoso con un contraste de 1,5 pasos el contraste final que puedes esperar es de 3,5.
En la copia y el negativo, donde no puedes hablar de reflectancias, hablamos de luminosidad. La luminosidad se escribe con la letra L y un asterisco L*. Es un número que va de 0 a 100. La luminosidad del blanco límpio del 90% es L* 96. La de la tarjeta gris de kodak 49'5. La de la piel oscila entre 60 y 70. La luminosidad de un negro de imprenta 9 si midieramos un papel impreso con una tinta de calidad. El 3% del negro de cine que toma kodak como referencia de negros vale L* 20, si bien visualmente son posibles valores menores. En el esquema teórico “perceptual” establecido por el International Color Consortium al negro máximo que podemos considerar se le asigna arbitrariamente una L*1.
La técnica fotográfica consiste en traducir los tonos de la escena a la imagen. Para ello tienes que conocer como responde tu material sensible, al que llamaremos película independientemente de que lo sea o de que se trata de un sensor de estado sólido como los empleados en vídeo o fotografía digital.
En la escena tienes que buscar seis grupos de tonos marcados por tres puntos de referencia. Tus referencias son: allí donde en las sombras ya dejas de ver textura (detalle), allí donde en las luces dejas de ver detalle, quedando solo blanco plano, y un tono medio. Estos puntos se llaman límite de negros, límite de blancos y gris medio. En tu película debes conocer donde aparecen estos límites. Para ello fotografía un gris a todas las exposiciones posibles y marca las fotos cuya L* sea 96 (límite de blancos), 1 (límite de negros) y 50 (gris medio).
Los seis tonos delimitados por los puntos son: alrededor del tono medio están las medias tintas claras y las medias tintas oscuras. Las medias tintas clara son los tonos un poco más claros que el medio, que también se llaman primeras luces. Las medias tintas oscuras son los tonos algo más oscuros que el medio. También se llaman primeras sombras. Los tonos más claros que las primeras luces y que están por debajo del límite de blancos con las segundas luces. El extremo superior de las segundas luces, las que tocan el límite de blancos son las altas luces. Tonos muy claros pero en los que aún pueden encontrarse vestigios de detalle. Por encima del límite de blancos están los blancos. Por debajo de las primeras sombras están las segundas sombras. Valores oscuros en los que tenemso detalle. El extremo inferior de las segundas sombras son las sombras profundas, son los tonos en sombra en los que casi perdemos el detalle y la textura y tocan con el límite de negros. Por debajo del límite de negros están los negros. Tonos planos sin detalle.
Son por tanto seis tonos, desde los negros a los blancos: negros, segundas sombras, primeras sombras, primeras luces, segundas luces y luces.
En el sistema de zonas las medias tintas son las zonas IV, V y VI. La zona VII y VIII son las segundas luces mientras que las III y II son las segundas sombras. La zona I marca el límite de sombras y la zona IX el límite de luces.
Hay cuatro gamas tonales. La de la escena, la de negativo, la teórica del modelo de trabajo digital y la de la ampliación. Los tonos de la escena pasan por estos cuatro estados hasta llegar a la copia. En el trabajo del laboratorio digital, donde solo hay números, no tonos visuales, se establece un modelo de trabajo abstracto basado en la luminosidad que se asigna así: límite de negros para el L* 1 (zona I), gris medio L* 49,5 (a menudo aproximado con L* 50)(Zona V), límite de blancos L* 96 (Zona IX). Aunque el valor L*1 es artificial se emplea para “montar” estos tonos sobre el negro máximo del medio de ampliación. Por ejemplo, si imprimimos con un papel de calidad cuyos negros están al 1%, que corresponde a una L*9 los programas de ampliación asignan a este L*9 el valor L* 1. Es lo que se llama “compensación de negros” y aunque es una idea original de Adobe se ha extendido como estandar de hecho para trabajar la fotografía digital.

Tu fotómetro tratará todo tono como si fuera un tono medio de aproximadamente L*50, la zona V del sistema de zonas. Si mides sobre un blanco y fotografías usando esa medida, el blanco aparecerá gris. Por tanto deberías abrir el diafragma para aclararlo. Igualmente sucede con los negros: se aclaran, por lo que hay que oscurecerlos cerrando el diafragma. Así, el diafragma y el obturador te permiten “colocar” los tonos de la escena dentro de los tonos de la imagen. Lo claro u oscuro que queden los colores en tu foto no depende de la luz que hubira en la escena, sino del ajuste de exposición que hiciste. Un medio día a pleno sol puede hacerse lóbrego. Una crepúsculo sin sol puede hacerse luminoso.

El tono que adquieren las cosas en la escena depende de su color y de la luz bajo la que esté. El tono que adquieren las cosas en la foto depende del tono que tengan en la escena y del ajuste de exposición que hagas. El blanco de la figura que está junto a la venta es claro por el lado de la calle y oscuro por el lado de la habitación. Así todo tono puede modificarsea endos direcciones: aclarao u oscurecido. Cuando el blanco está oscurecido y el gris está aclarado puede aparecer blanco el gris y gris el blanco. Por tanto todo tono es relativo a la luz bajo la que está. ¿En qué zona queda entonces la piel? Depende del lado de la ventana en que esté ¿Es siempre unblanco zona VIII? Depende de si está del lado de la calle o del de la habitación. No tiene sentido asignar tonos a las zonas porque rara vez una escena está iluminada uniformemente.

Para conocer como interpreta tu cámara, tu película, la gama tonal de la escena tienes que saber su latitud. Latitud es la diferencia entre el blanco con detalle y el negro con detalle que da tu cámara. Haz esto, mide una tarjeta gris y exponla con al medición. Ahora expon para todas las combinaciones posibles de diafragma y obturador. Coge la foto expuesta según el fotómetro de mano. Esa es tu referencia para la sensibilidad. Ahora coge las fotos en las que el L* del gris vale 1 y 96. Esos son los negros con límites de blancos y de negros. Mira cuantos pasos hay entre ambos y esa es tu latitud. Mira cuantos pasos hay entre la foto del gris medio que tiene L*50 y la de L*96. Ese es tu margen de blancos. Mira la del L*1 y la del L*50, ese es tu margen de negros.
La latitud es la diferencia que soporta la pelícual entre blancos y negros. No lo confundas con el rango dinámico que es la diferencia entre la respuesta del material sensible. En el caso de la película el rango dinámcio sería la latitud multiplicada por la gamma.
Nunca dejes que tus blancos superen el límite de blancos porque se quemarán. Nunca dejes que tus negros superen el límite de negros.
Para mejor trabajar, al hacer la prueba coloca una tarjeta gris y otra blanca. Para tener unos valore smás realistas mira en qué foto la tarjeta blanca adquiere el valor L*96. La diferencia entre esa y la del gris al L*50 es el margen del que no te deberías mover nunca para no quemar los blancos. Este margen de trabajo es el margen de maniobra que de verdad tienes.

Tu cámara no ve como tus ojos. Allí donde tu ves detalle la cámara ya lo perdió. La diferencia no es porque tus ojos tengan más latitud que la cámara sino porque percibimos el contraste diferencial de distinta manera. Allí donde hay más diferencia tonal entre tonos adyacentes vemos más detalle, vemos volumen, vemos textura. Los fabricantes crean el material sensible de manera que la apreciación del contraste sea mayor en los tonos medios que en las luces y sombras. Esto se parecia en que la curva de respuesta del material sensible está más inclinada en las partes medias que en los extremos. Esta diferencia de contraste hace que la separación tonal de la película sea mucho mayor en los tonos medios captado (los que han quedado por la parte central de la respuesta de la película, que se controlan con el diafragma y el obturador, no los tonos medios de la escena, que dependen de la luz y la reflectancia de cada objeto). Así en los tonos oscuros y claros la película ve de distinta manera el detalle que nuestros ojos. Iluminar es, en gran manera, conseguir que la cámara vea como nuestros ojos.

¡Luis Monje termina su curso!

2008-06-03T11:32:00.000+02:00

Probablemente el mejor curso de fotografía existente. El señor Monje ha terminado ¡Por fin! la redacción de su curso general de fotografía. En esta dirección:

http://www.difo.uah.es/curso/

Sobre los tercios, eguein.

2008-04-30T10:30:00.000+02:00

[quote author=Rafaé link=topic=61370.msg595163#msg595163 date=1209460162]Paco, te pregunto lo mismo que a Carlos: ponme un ejemplo de cómo se le debe enseñar a alguien a componer una foto, pero un ejemplo práctico, tangible.... sin nombrar ninguna regla ni nada..... [/quote]Vamos por partes. Primero, que la regla de los tercios se limita a UN solo aspecto de la composición que es el [i]encaje[/i], osea, meter las cosas dentro del marco.
Arnheim, psicólogo y crítico de arte, autor del libro de referencia para las relaciones entre cómo nuestra psicología nos hace apreciar el arte y quien nunca habla ni de la regla de los tercios ni de la áurea, alumno de la gestalt dice en su libro sobre montaje cinematográfico que los principios de la composición son tres: simplicidad, regularidad y equilibrio. En su "Arte y percepción visual" da varias pistas de lo que nos atrae y lo que no. Uno es el del corte franco. Nuestra mente gusta de las cosas claras. Por ejemplo, coje una hoja cuadriculada y traza tres líneas de 12 cuadros de alto ehojas diferentes. Corta la primera con una perpendicular de solo 2 a la altura del cuadro 5. Has dividido la línea larga en dos partes desiguales pero muy parecidas. Tu ojo se debate entre reconocer aquello como dos líneas segmentos desiguales o como un corte por la mitad mal hecho.Ahora corta la segunda línea, la de la otra hoja, con la misma raya de dos cuadros pero exáctamente por el centro, por el cuadro 6. Tu ojo ve claramente una línea dividida en dos partes. Descansa la mirada y gusta de ello.Ahora vete a la tercera línea, cortala con la susodicha rayita de dos cuadros a la altura del cuadro 4, o del 3, o del 2. En todas estas posiciones tu ojo ve un corte franco, ve claramente que hay un segmento largo y otro corto. Descansa, está bien compuesto.
La regla de los tercios es obcecarse en que el corte SIEMPRE debe ser asime´trico s y SIEMRPE en por el cuadro 4. Cuando lo que nos dice Arnheim es que la mente, el ojo, descansa y admite como de mejor factura la diferencia clara. Cuando cortas por la mitad el ojo acepta el corte, cuando cortas por el cuarto,el quinto, el tercio o la raiz cuadrada del cubo de lo logaritmo de la mitad de PI el ojo ve con claridad un corte asimétrico. Así que cualquier corte asimétrico en el que quede clara esta asimetría será admitido como "correcto" o "adecuado" o "mejor" o "preferible" que el corte asime´trico que no te deja claro si es una asimetría de lados casi iguales o una corte simétrico mal hecho.La regla de los tercios es decir que el único corte válido es el del tercio. Que si no cortas por el tercio eres un mal fotógrafo y que si eres estudiante de fotografía y no cortas por el tercio estás suspendido. Me parece MUY fuerte suspender a un estudiante porque no ha compuesto una asimetría por tercios cuando eso lo único que indica es la necesidad urgente que tiene el profesor de recapacitar sobre lo que enseña.
Pero todo esto no es más que "encaje" de las figuras.Además hay uan composición en profundidad, la figura y el fondo, o el primer término, figura y fondo.Además hay una composición en color, hay cuatro esquemas compositivos de color: con colores intensos, con colores apagados, con claroscuro, con colores relucientes en claroscuro (Johannes Pawlik). Por ejemplo nos empeñamos en solo reconocer como válido el claroscuro, cuando realmente podríamos hacer cuatro planteamientos.Además la composición en color puede ser de muchos tipos: con contracolores, con colores doblemente opuestos, por contraste de familia, por contraste de extensión, por cercanía de familia, por cercanía de extensión...
Además, lo más importante de todo, es la relación no entre las figuras como manchas, sino entra las figuras como objetos interpretados. Para componer es más importante reconocer las figuras, que son y que hacen. Dos personas andando, el niño tirando florecitas en el jardín. La composición sobre la interpretación es mucho más importante que la composición sobre la disposición de las manchas.
Pero de todas estas formas de componer no se habla en las revistas ni en los foros. Como "curso de composición" nos quedamos con la simpleza de "la regla de los tercios" que no es más que la regla del corte franco mal interpretada.

Curso de fotografia de la Universidad Internacional de Andalucía

2008-04-27T13:09:00.000+02:00

Acaba de salir la convocatoria del curso de fotografía que se realizará en la Universidad Internacional de Andalucía, (en La Rabida, Huelva) la semana del 21 al 25 de julio de este año de nuestro señor de 2008.

El del día 24, sobre ampliación, es mi módulo.

Para más información:

http://www.unia.es/component/option,com_hotproperty/Itemid,445/task,view/id,61/pid,7/

Apuntes del curso de iluminación de Sevilla

2008-04-11T14:05:00.000+02:00

Estos son los apuntes del curso de iluminación que di la semana pasada para el CEP de Sevilla:
tp://www.megaupload.com/?d=2W2Q6P7P
Extras
http://www.megaupload.com/es/?d=DGTAJ622

Reborn. Blog segunda parte

2008-02-16T21:45:00.000+01:00

Por lo visto, al intentar borrar el blog sobre retrato debo de haber pinchado donde no debía y me he cargado el blog original que llevaba ¿tres, cuatro años? funcionando. Casi todos los artículos del sitio están en un pdf, pero falta lo que he escrito en los últimos ¿cuatro, cinco meses?
A empezar de nuevo...
Creo que me voy a traer aquí lo que estaba haciendo bajo el nombre "laestrategiadelaluz.blogspot.com" y darle a este blog el nuevo nombre album de apuntes o alguna chorrada por el estilo.
Necesito un ron. Estas cosas no deberían pasar(me).